miércoles, 26 de agosto de 2015

Pop Art

“Las obras de comunicación masivas son susceptibles de recibir contenidos políticos (…) capaces realmente de fundir la ‘praxis revolucionaria’con la ‘praxis estética’. Las obras así producidas serán las primeras que realmente no podrán ser conservadas en los museos y que solo la memoria y la conciencia deberán retener". Oscar Masotta

El conceptualismo: Arte de los medios o Pop Art

•Fines años ‘50:

-Proceso de modernización del campo económico, político y cultural.

-Crecimiento de la industria.

-Aumento en el nivel de vida y consumo en los sectores medios

- Aumenta la oferta cultural y nace un nuevo público.

-El informalismo abre las puertas a la experimentación matérica y la creación de objetos.

•Mediados '60.

-Clima de exaltación tecnológica, desarrollo de los medios masivos de comunicación y cultura de masas.

-La radio, semanarios, y la televisión se convierten en difusores del gusto y opinión.

Nuevas Tecnologías

•La informática y la cibernética se vuelven importantes para la transformación de las formas y técnicas artísticas.

•El modelo estético tradicional es puesto es crisis, reemplazado por otro.

•Se problematiza la realidad y la representación: el contacto con la realidad responde más a lo percibido a través de los mass media que a la observación directa de los fenómenos. (Duchamp)

•El pop art en Europa y EEUU como expresión estética de la sociedad de consumo y la cultura de masas, dominada por la publicidad, el cine, la televisión y el star system.

Lichtenstein

Man and Woman in the Car, Lichtenstein

Andy Warhol y Marta Minujin

“Three Countries Happening” (Marta Minujin, Kaprow, Vostell 1966)

Cada uno en su ciudad (Argentina, Nueva York, Berlin) realizaría un happening propio y enviaría por teléfono o telegrama, instrucciones a los otros dos para que lo ejecutaran simultaneamente, así la comunicación creaba una ambientación internacional que desdibujaba los limites de los países y trazaba los de la aldea global.

Latas de sopas Campbell, Andy Warhol. 1962. Pintura de polímero sintético sobre lienzo. 50,8 cm × 40,6 cm. MOMA.

De lo perceptual a lo conceptual. Reflexión teórica: manifiestos, artículos periodísticos explican y acompañan. Intertextos de la obra.

Se abandona la pintura y se experimenta: objetos, ambientaciones, happenings, acciones de arte, etc.

Desmaterialización de la obra de arte, ya no importa la obra única y permanente, sino los conceptos y los procesos que se desatan a partir de situaciones creadas por ese objeto.

No se trata de la ausencia de materiales sino el desplazamiento a materiales antes no considerados como artísticos (objetos de desecho, de la naturaleza, personas, etc).

Andy Warhol, 1967. Marilyn Monroe

La repetición como forma de comunicación (criticando las estrategias de los medios de comunicación.

Las noticias de los diarios como tema en la pintura, “el golpe bajo” del sensacionalismo, como parte de su cita a la cultura popular local.

La repetición como recurso para realizar una “critica de la imagen”, en sintonía con el Pop Internacional.

Andy Warhol

"Happening para un jabalí difunto” (Jacoby, Costa, Escari, 1966)

Es el antihappening.

Intervención en un diario difundiendo una falsa noticia. No existió el happening pero si su información. Demuestra entonces que la verdadera existencia social de los hechos y objetos estaría implicada en el mecanismo comunicacional. Acusan a la prensa de homogeneizar información, estereotipar, e incentivar el consumo por medio del sensacionalismo.

¿Por qué son tan geniales?

(Edgardo Gimenez, Dalila Puzzovio, Carlos Squirru, 1966)

Refuncionalizaron el cartel callejero para promocionarse como estrellas de cine, productos de la cultura masiva. Llevar el arte a las calles.

Dalila Puzzovio

1963 Exposición Cáscaras. Ensambla yesos ortopédicos en desuso y otros objetos y crea esculturas de cuerpos ausentes. Para ella, las obras conservan la vibración del cuerpo que contuvieron.

“ Sabe que nos estamos muriendo y nos habla con lenguaje de muerte. Blanco para los huesos que son el cuerpo. Negro para las sombras que son el alma” Eduardo Squirru

Autorretrato, Dalila Puzzovio, 1966-97.

2do Premio nacional Di Tella 1966, pintada por afichistas de cine.

Luces como en camarines, plásticos inflables innovación tecnológica de la época, evocar lo moderno, el lujo. Arte y moda destinos semejantes: Lo estético

Doble Plataforma, 1967. Diseña los zapatos y se los da a producir a Grimoldi y salieron a la venta

ACTIVIDAD:

Luego de ver este video, responde el siguiente cuestionario:

http://www.encuentro.gov.ar/sitios/encuentro/programas/ver?rec_id=50947

1) ¿Qué es el arte pop y cuál es la funcionalidad del arte pop?

2) ¿Qué materiales se pueden utilizar para realizar este arte?

3) ¿Cuáles son los soportes que se emplean?

4) ¿Por qué podemos decir que es un arte que discute con el concepto de arte como mercancía?

5) ¿Por qué fue importante el instituto Di Tella? ¿Cómo influyó en Buenos Aires?

6) Si HOY quisieras hacer una obra de arte de Vanguardia, ¿cómo sería esta obra?

martes, 18 de agosto de 2015

Arte Cinético, Cinetismo, Op Art o Arte Óptico

Arte Cinético, Cinetismo, Op Art o Arte Óptico

El arte cinético engloba todas aquellas manifestaciones artísticas que están dotadas de movimiento. Entre estas podemos distinguir varios grupos:

a) Obras de dos o tres dimensiones que están dotadas de movimiento real.

b) Obras que son estáticas pero que, con el movimiento del espectador, permiten más de una lectura.

c) Obras que no tienen movimiento real pero que, mediante algún efecto óptico, dan la sensación de tenerlo. Es lo que llamaríamos op art.

Alexander Calder, Pez de Acero, 1934.

Alexander Calder, móviles.

Los móviles de Calder son un tipo de escultura formada por alambre y pequeñas piezas de metal suspendidas, que son movidas ligeramente por el desplazamiento del aire ambiente.

1) A partir de lo leído: ¿Qué rol crees que desempeña el espectador ante una obra de arte cinético? ¿Es el mismo rol que ante una obra de arte estática? Justifica tu respuesta.

Características:

a. Se basa en la búsqueda del movimiento, en muchas de las obras el movimiento es real y no virtual;

b. Abolición del soporte tradicional del cuadro;

c. Incorporación de materiales nuevos y poco comunes en el arte (plásticos, circuitos eléctricos, etc.);

d. Intención de insertarse en la vida pública de la ciudad, formando parte del urbanismo;

e. Para realizar la obra el artista se plantea y sigue una estructura rigurosamente planificada;

f. La mayoría de las obras cinéticas son tridimensionales, se despegan del plano bidimensional;

g. Amplía los recursos para crear movimiento: el viento, el agua, motores, luz, electromagnetismo;

i. Buscan la integración entre obra y espectador.

2) Observa las siguientes obras dadaístas y señala en cuáles de las características mencionadas, podrías incluir al Dadaísmo. ¿Creés que Duchamp y el Dadaísmo pudo ser un antecedente del cinetismo? ¿por qué?

Rueda de Bicicleta, Marcel Duchamp, 1913

Rotative Plaque Verre, Duchamp 1920.

La expresión arte cinético es adoptada hacia 1954, para designar las obras de arte puestas en movimiento por el viento, los espectadores y/o un mecanismo motorizado.

Fue una corriente muy en boga desde la mitad de los 60 hasta mediados de los 70. El nombre tiene su origen en la rama de la mecánica que investiga la relación que existe entre los cuerpos y las fuerzas que sobre ellos actúan.

Causan al espectador movimiento e inestabilidad, gracias a ilusiones ópticas, que cambian de aspecto según el punto desde el que son contempladas o por la luz que reciban. También están incluidos dentro de este movimiento los móviles sin motor y las construcciones tridimensionales con movimiento mecánico.

Arte Óptico: Después de la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos que no solo se preocupan por transmitir sentimientos con sus obras si no también exigen del espectador una actitud activa. El arte óptico es un movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en 1958, conocido como Op Art. En sus obras el ojo debe mirar la obra que se mueve, buscando el principio y el fin.

Víctor Vasarely, 1957-59, Vega III.

Victor Vasarely, 1956 Tlinko-II

3) Tras observar las pinturas del artista húngaro Víctor Vasarely y leer la definición de “Op Art”, menciona si crees que puede inscribirse aquí a este artista. Justifica tu respuesta.

Tipos de arte cinético:

Existen diferentes tipos de obras cinéticas de acuerdo con la manera que produzca sensación de movimiento:

· Estables: obras en las que los elementos son fijos, dispuestos de tal manera que el espectador deba rodearlas para percibir el movimiento

· Móviles: que producen un movimiento real, cambiando su estructura constantemente

· Penetrables: la obra es un ensamblaje en un espacio real que requiere que el espectador entre en ella para poder percibirla

La obra que vemos se titula “Seis círculos en contorsión”, y fue construida por el argentino Julio Le Parc en 1967 con cintas de acero, brazos mecánicos de aluminio y motores, en una caja blanca de madera esmaltada. Al apretar un interruptor ubicado en la pared, podemos activar esta obra, haciendo que los seis círculos formados por las bandas de acero comiencen a moverse lenta y continuadamente. Como los círculos están unidos, cada movimiento de uno modifica la forma del que está al lado. Cuando esta obra está expuesta en el museo, la luz que la ilumina hace que el aluminio de las bandas proyecte reflejos y sombras sobre el acero mismo y sobre el fondo de la caja, creando un juego visual que, junto con el movimiento y las formas sinuosas, parece hipnotizar nuestra atención. Si nos acercamos un poco más podremos oír el ruido que generan de los motores.

4) ¿A cuál de los 3 tipos de arte cinético pertenece esta obra de Le Parc?

LE PARC, Biografía

Nace en la ciudad de Mendoza en 1928. A los trece años se establece en Buenos Aires con su familia. Estudia en la Escuela de Bellas Artes, donde se interesa por los planteos del arte concreto y por la obra de Lucio Fontana. En 1947 abandona los estudios y se aproxima al anarquismo y al marxismo.

5) ¿Qué otros artistas americanos se aproximaron al anarquismo y al marxismo? ¿Se puede ver en sus obras y las de Le Parc, alguna relación? ¿Cómo inciden sus ideas políticas en sus producciones plásticas?

Hacia 1954 ingresa en la Escuela Superior de Bellas Artes y en 1958 viaja a París becado por el Servicio Cultural Francés. En esta ciudad entra en contacto con artistas como Victor Vasarely, entre otros. Interesado por las propuestas del arte óptico y por la teoría de la Gestalt, comienza sus experiencias ópticas en pinturas que presentan secuencias progresivas de formas, de posiciones y de colores, generando inestabilidad visual y se une al Grupo de Investigación Visual, defendió el trabajo en equipo y el constante intercambio de ideas frente a la concepción tradicional del artista único.

Le Parc continúa sus investigaciones, realizando pequeñas cajas de luz con movimiento manual que producen cambios de imágenes y de color y, además, crea sus primeros móviles. En 1966 obtiene el Gran Premio Internacional de Pintura en la Bienal de Venecia. Actualmente vive y trabaja en París.

6) Mirá la obra “Sphere Rouge” de Le Parc y analizá si presenta una secuencia progresiva de color, de formas, de posiciones o de colores.

En este link, podes ver la secuencia de armado de la obra: https://www.youtube.com/watch?v=nZlMqfUs1Ww

En Contexto

Ante algunas obras de Julio Le Parc nos preguntamos: ¿se trata de pinturas?, ¿son esculturas?, ¿o son objetos?. Son piezas realizadas con materiales industriales que incluyen el factor sorpresa, el movimiento y la transformación, producida, en muchos casos, a partir de la manipulación por parte del espectador.

Le Parc muestra su actitud crítica frente a la concepción de la obra de arte estable y definitiva, como es el caso de las pinturas y esculturas tradicionales. Esto lo llevó a experimentar con la luz y el movimiento; ya sea ilusorio (sugerido por los efectos ópticos), o real (a partir del empleo de mecanismos simples).

Le Parc defendió el trabajo en equipo y el constante intercambio de ideas frente a la concepción tradicional del artista único. Otra de las preocupaciones básicas de este grupo fue motivar la participación activa de un público nuevo, no especializado. Para esto realizaron encuestas, jornadas callejeras, salas de juegos y espacios recorribles, invitando a las personas a relacionarse directamente con las obras. Con estas propuestas buscaban que cada espectador las interpretara libremente, y que esa libertad lo impulsara a reflexionar sobre la situación cotidiana de dependencia en la que podría encontrarse, aspecto que para Le Parc constituye el carácter político de su trabajo.

7) ¿Cómo te sentís como espectador ante este tipo de obras? ¿Crees que estos artistas lograron generar en sus espectadores aquello que buscaban?

8) ¿Qué tipo de producción es la que más te interesó? Realizá una producción plástica, a partir de la que más te haya interesado.

Bibliografía

http://www.ilusionario.es/ARTE/arte_cinet.htm

http://www.ecured.cu/index.php/Arte_cin%C3%A9tico

http://malba.s3-website-sa-east-1.amazonaws.com/wp-content/uploads/2014/04/LeParc.pdf

lunes, 10 de agosto de 2015

Arte Abstracto

Arte Abstracto: nociones básicas

La abstracción es el acto y el resultado de abstraer (extraer, resumir a lo más esencial), es lo que no se puede percibir directamente a través de los sentidos y se aleja del aspecto exterior de las cosas.

En el arte, lo abstracto es independiente de la re-presentación del natural. Por lo tanto, el arte abstracto es un concepto opuesto al de arte figurativo. En el arte abstracto puro no existen rastros reconocibles figurativos.

Desde el Renacimiento en adelante la preocupación por recrear la ilusión de la realidad, domina en las artes visuales. No será hasta la llegada del Impresionismo que los pintores dejen de buscar representar lo que ven y den más importancia al procedimiento pictórico que los aleja de las apariencias de la realidad.

La abstracción se va abriendo camino a medida que el arte figurativo entra en crisis con las mejoras en el joven campo de la fotografía y la difusión de este nuevo procedimiento para captar la realidad. Los movimientos de vanguardia del siglo XX, como el expresionismo o el cubismo, reaccionan contra el realismo explorando distintas maneras en que pueden manipular los elementos de una obra más allá de la realidad.

1) A partir de lo leído, menciona si la siguiente obra de Kandinsky es o no es abstracta y explica por qué.

Amarillo-Rojo-Azul, 1925.

Se considera que el arte abstracto puro nace en 1910 en Munich de la mano del artista ruso Kandinsky.

Algunas de las ideas de los artistas abstractos respecto al arte, eran:

-Que ya estaba todo dicho en el arte, sobre la representación de la realidad, y que ya se sabía copiar lo que se veía de manera exacta, por lo que seguir copiando la realidad, ya no era atractivo.

-Los artistas querían representar lo absoluto. Una vuelta a la esencia del arte con elementos más limitados que los que se pueden encontrar en la realidad, la idea de que el arte no se pueda identificar con otra realidad que no sea el propio arte o el anhelo utópico de crear y comunicar a través de un lenguaje visual universal[1].

2) A partir de lo leído, observa los apuntes que realizó Kandinsky en 1926, observando a la bailarina Gret Palucca, reduciendo sus movimientos a líneas básicas[2], y realiza el mismo ejercicio con la tercera foto:

Contexto y Antecedentes

En Europa y en Estados Unidos, luego de la II Guerra Mundial (1939-1945), surgen dos focos importantes de arte abstracto: En Estados Unidos el expresionismo abstracto americano y el informalismo en Europa, ambos siguiendo caminos similares. Los precedentes formales del expresionismo abstracto los encontramos en Europa en la abstracción de Kandinsky y desde las técnicas de automatismo experimentadas por los surrealistas.

Esta etapa de la historia del arte contemporáneo es muy importante porque se cierra la de las vanguardias históricas, y se inicia una nueva época, donde Nueva York toma el relevo a París como epicentro del arte moderno.

A finales de los años veinte y en la década de los 30, el desastre de la bolsa de Wall Street en 1929, desató una crisis económica a nivel mundial. Para apoyar a los artistas el gobierno de Estados Unidos puso en marcha en 1935 el Federal Arts Project que permitió a muchos pintores vivir de la pintura (les pagaban un sueldo mensual a cambio de sus obras).

Con la II Guerra Mundial se exilian a los Estados Unidos los artistas surrealistas europeos más importantes: Salvador Dalí, Yves Tanguy y Roberto Matta en 1939, Max Ernest, André Breton Marc Chagall y Wifredo Lam en 1941. También se exilan en Piet Mondrian, Man Ray, Fernand Leger. Muchos de estos artistas se dedican a dar clases en las principales escuelas de Arte de los Estados Unidos.

Con el expresionismo abstracto un grupo de pintores vacían sus mentes de prejuicios y aplican la pintura con espontaneidad y de forma libre y subjetiva.

3) A partir de lo leído, explica los dos motivos que llevaron a New York a quedarse con el protagonismo artístico, que antes tenía Paris.

4) Realiza una descripción formal de lo que ves en la siguiente pintura del neoplasticista Mondrian. Y explica que crees que buscó representar el artista en su obra.

Composición en rojo, amarillo, azul y negro, 1926

La Escuela de Nueva York y el expresionismo abstracto

En los Estados Unidos a principios de la década de los 40 surge “La escuela de Nueva York”. A pesar de que los artistas que consideramos integrantes de la misma reivindicaban su individualidad (es decir que no se consideraban un grupo), les denominamos a todos ellos con el término “Expresionismo Abstracto” que define la nueva pintura neoyorquina basada en el gesto y la expresión.

Se trata de una pintura no figurativa y que se aparta de referencias del mundo material del que los artistas han quedado desengañados después de la Segunda Guerra Mundial. Los pintores trataron de unir forma y emoción. Además de utilizar el pincel investigaron nuevas formas de aplicar la pintura (dripping, “gotear” en inglés)[3].

5) Mira los primeros minutos de este video de Jackson Pollock y explica: ¿Por qué podemos decir que con su técnica, se opone a los artistas intelectuales? ¿Qué rol juegan el azar, el movimiento automático, lo espontáneo y la libre expresión? https://www.youtube.com/watch?v=lfwUxQrDGqw

Los artistas más representativos del expresionismo abstracto fueron: Jackson Pollock, Mark Rothko y De Kooning.

Ellos crearon un nuevo estilo donde se fusionan abstracción y surrealismo. De éste último toman el automatismo, además de experimentar con nuevas técnicas practican un arte marcadamente individualizado en el que prima la expresión de la personalidad del artista.

Estados Unidos es también el origen de nuevos movimientos culturales como la Generación Beat. Esta corriente literaria influyó con su estética a la cultura de masas y la clase media en la década del 50, representando un fenómeno contracultural, caracterizado por el rechazo de los valores clásicos de la sociedad norteamericana, el uso de drogas, la defensa de la libertad sexual y el estudio de la filosofía oriental. La "generación beat" influyó en el surgimiento del movimiento hippie[4]. El movimiento beat, surgió con demoledora fuerza para cuestionar las más establecidas certidumbres del sistema de vida americano[5].

La rebeldía, la individualidad y el desprecio de todo tipo de convencionalismo se convirtieron en el grito de batalla de unos artistas para los que la objetividad, el cálculo y la razón ya no tenían sentido. Su interés se centra en el ser humano despreciando la realidad exterior y en este contexto la pintura se convierte en la expresión no controlada del ser, en un medio para liberarse de la tortura, de la propia duda, y de la ansiedad. El lienzo en blanco es un desafío, un escenario de combate, donde la pintura muestra lo el interior del artista; de ahí la importancia del acto de pintar y del proceso de elaboración de la obra, que son tan importantes como los resultados.

6) ¿Cómo podrías explicar la siguiente obra de Rothko, a partir de estas ideas de la Generación Beat?

No.5/No.22, 1949. 297 x 272 cm. Moma.

Podemos distinguir tres tendencias fundamentales:

1) La pintura gestual o de acción

2) La pintura de campos de color

3) La pintura sígnica.

1. Pintura gestual o de acción (Action painting).

"Action painting", fue el término usado inicialmente para referirse al automatismo pictórico de Jackson Pollock y luego para definir a todo el automatismo pictórico del grupo de pintores de esta tendencia, que tratan de expresar sus impulsos y la violencia de sus sentimientos. Este grupo evoca a los surrealistas en la técnica y en la acción de pintar, y para ellos lo importante es el proceso o acto de pintar, que está por encima del contenido.

La pintura gestual o de acción requiere nuevas técnicas y procesos, como:

§ El dripping, que consiste en un chorreo de pintura sobre el lienzo, utilizando bien con un bote lleno de pintura y agujereado por los laterales y por el fondo, o arrojando la pintura sobre el lienzo con el pincel bien mojado.

§ Aumento de la escala de los lienzos, que obligan a la eliminación del caballete, situando el lienzo en el suelo y pintando pisando el lienzo, estando literalmente dentro de la pintura.

§ Nuevos tipos de pintura como el acrílico y el esmalte, mezclados en ocasiones con otros materiales como solución de aluminio, arena, trozos de vidrio…

El artista más representativo de la pintura gestual o de acción, fue Jackson Pollock (1912-1956)[6]

2. Pintura de campos de color.

La pintura de campos de color centra su interés en las diferentes posibilidades de ciertas yuxtaposiciones cromáticas y en la combinación de colores en superficies generalmente de grandes dimensiones. Se caracterizan por grandes superficies planas combinadas de color, exentas de elementos sígnicos o gestuales, con las que se crean atmósferas que transmiten una gran sensación de espacio.

La pintura de campos de color es la más abstracta de las tendencias del expresionismo abstracto. Uno de los artistas más sobresalientes de esta tendencia fue Mark Rothko (1903-1970)[7]

3. Pintura Sígnica

Se caracteriza por sus composiciones ejecutadas a base de grandes pinceladas o brochazos superpuestos monócromos sobre fondo blanco, que recuerdan caligrafías orientales.

La pintura sígnica no es pintura de acción sino de meditación, y se caracteriza por un acercamiento al arte oriental, especialmente a la caligrafía china. El artista más representativo de la pintura sígnica fue: Franz Kline (1910-1962)[8].

7) A partir de lo explicado, observa y menciona que obra pertenece a cada tendencia. Justifica tu elección.