Arte Abstracto: nociones básicas

La abstracción es el acto y el resultado de abstraer (extraer, resumir a lo más esencial), es lo que no se puede percibir directamente a través de los sentidos y se aleja del aspecto exterior de las cosas.

En el arte, lo abstracto es independiente de la re-presentación del natural. Por lo tanto, el arte abstracto es un concepto opuesto al de arte figurativo. En el arte abstracto puro no existen rastros reconocibles figurativos.

Desde el Renacimiento en adelante la preocupación por recrear la ilusión de la realidad, domina en las artes visuales. No será hasta la llegada del Impresionismo que los pintores dejen de buscar representar lo que ven y den más importancia al procedimiento pictórico que los aleja de las apariencias de la realidad.

La abstracción se va abriendo camino a medida que el arte figurativo entra en crisis con las mejoras en el joven campo de la fotografía y la difusión de este nuevo procedimiento para captar la realidad. Los movimientos de vanguardia del siglo XX, como el expresionismo o el cubismo, reaccionan contra el realismo explorando distintas maneras en que pueden manipular los elementos de una obra más allá de la realidad.

1) A partir de lo leído, menciona si la siguiente obra de Kandinsky es o no es abstracta y explica por qué.

Amarillo-Rojo-Azul, 1925.

Se considera que el arte abstracto puro nace en 1910 en Munich de la mano del artista ruso Kandinsky.

Algunas de las ideas de los artistas abstractos respecto al arte, eran:

-Que ya estaba todo dicho en el arte, sobre la representación de la realidad, y que ya se sabía copiar lo que se veía de manera exacta, por lo que seguir copiando la realidad, ya no era atractivo.

-Los artistas querían representar lo absoluto. Una vuelta a la esencia del arte con elementos más limitados que los que se pueden encontrar en la realidad, la idea de que el arte no se pueda identificar con otra realidad que no sea el propio arte o el anhelo utópico de crear y comunicar a través de un lenguaje visual universal[1].

2) A partir de lo leído, observa los apuntes que realizó Kandinsky en 1926, observando a la bailarina Gret Palucca, reduciendo sus movimientos a líneas básicas[2], y realiza el mismo ejercicio con la tercera foto:

Contexto y Antecedentes

En Europa y en Estados Unidos, luego de la II Guerra Mundial (1939-1945), surgen dos focos importantes de arte abstracto: En Estados Unidos el expresionismo abstracto americano y el informalismo en Europa, ambos siguiendo caminos similares. Los precedentes formales del expresionismo abstracto los encontramos en Europa en la abstracción de Kandinsky y desde las técnicas de automatismo experimentadas por los surrealistas.

Esta etapa de la historia del arte contemporáneo es muy importante porque se cierra la de las vanguardias históricas, y se inicia una nueva época, donde Nueva York toma el relevo a París como epicentro del arte moderno.

A finales de los años veinte y en la década de los 30, el desastre de la bolsa de Wall Street en 1929, desató una crisis económica a nivel mundial. Para apoyar a los artistas el gobierno de Estados Unidos puso en marcha en 1935 el Federal Arts Project que permitió a muchos pintores vivir de la pintura (les pagaban un sueldo mensual a cambio de sus obras).

Con la II Guerra Mundial se exilian a los Estados Unidos los artistas surrealistas europeos más importantes: Salvador Dalí, Yves Tanguy y Roberto Matta en 1939, Max Ernest, André Breton Marc Chagall y Wifredo Lam en 1941. También se exilan en Piet Mondrian, Man Ray, Fernand Leger. Muchos de estos artistas se dedican a dar clases en las principales escuelas de Arte de los Estados Unidos.

Con el expresionismo abstracto un grupo de pintores vacían sus mentes de prejuicios y aplican la pintura con espontaneidad y de forma libre y subjetiva.

3) A partir de lo leído, explica los dos motivos que llevaron a New York a quedarse con el protagonismo artístico, que antes tenía Paris.

4) Realiza una descripción formal de lo que ves en la siguiente pintura del neoplasticista Mondrian. Y explica que crees que buscó representar el artista en su obra.

Composición en rojo, amarillo, azul y negro, 1926

La Escuela de Nueva York y el expresionismo abstracto

En los Estados Unidos a principios de la década de los 40 surge “La escuela de Nueva York”. A pesar de que los artistas que consideramos integrantes de la misma reivindicaban su individualidad (es decir que no se consideraban un grupo), les denominamos a todos ellos con el término “Expresionismo Abstracto” que define la nueva pintura neoyorquina basada en el gesto y la expresión.

Se trata de una pintura no figurativa y que se aparta de referencias del mundo material del que los artistas han quedado desengañados después de la Segunda Guerra Mundial. Los pintores trataron de unir forma y emoción. Además de utilizar el pincel investigaron nuevas formas de aplicar la pintura (dripping, “gotear” en inglés)[3].

5) Mira los primeros minutos de este video de Jackson Pollock y explica: ¿Por qué podemos decir que con su técnica, se opone a los artistas intelectuales? ¿Qué rol juegan el azar, el movimiento automático, lo espontáneo y la libre expresión? https://www.youtube.com/watch?v=lfwUxQrDGqw

Los artistas más representativos del expresionismo abstracto fueron: Jackson Pollock, Mark Rothko y De Kooning.

Ellos crearon un nuevo estilo donde se fusionan abstracción y surrealismo. De éste último toman el automatismo, además de experimentar con nuevas técnicas practican un arte marcadamente individualizado en el que prima la expresión de la personalidad del artista.

Estados Unidos es también el origen de nuevos movimientos culturales como la Generación Beat. Esta corriente literaria influyó con su estética a la cultura de masas y la clase media en la década del 50, representando un fenómeno contracultural, caracterizado por el rechazo de los valores clásicos de la sociedad norteamericana, el uso de drogas, la defensa de la libertad sexual y el estudio de la filosofía oriental. La "generación beat" influyó en el surgimiento del movimiento hippie[4]. El movimiento beat, surgió con demoledora fuerza para cuestionar las más establecidas certidumbres del sistema de vida americano[5].

La rebeldía, la individualidad y el desprecio de todo tipo de convencionalismo se convirtieron en el grito de batalla de unos artistas para los que la objetividad, el cálculo y la razón ya no tenían sentido. Su interés se centra en el ser humano despreciando la realidad exterior y en este contexto la pintura se convierte en la expresión no controlada del ser, en un medio para liberarse de la tortura, de la propia duda, y de la ansiedad. El lienzo en blanco es un desafío, un escenario de combate, donde la pintura muestra lo el interior del artista; de ahí la importancia del acto de pintar y del proceso de elaboración de la obra, que son tan importantes como los resultados.

6) ¿Cómo podrías explicar la siguiente obra de Rothko, a partir de estas ideas de la Generación Beat?

No.5/No.22, 1949. 297 x 272 cm. Moma.

Podemos distinguir tres tendencias fundamentales:

1) La pintura gestual o de acción

2) La pintura de campos de color

3) La pintura sígnica.

1. Pintura gestual o de acción (Action painting).

"Action painting", fue el término usado inicialmente para referirse al automatismo pictórico de Jackson Pollock y luego para definir a todo el automatismo pictórico del grupo de pintores de esta tendencia, que tratan de expresar sus impulsos y la violencia de sus sentimientos. Este grupo evoca a los surrealistas en la técnica y en la acción de pintar, y para ellos lo importante es el proceso o acto de pintar, que está por encima del contenido.

La pintura gestual o de acción requiere nuevas técnicas y procesos, como:

§ El dripping, que consiste en un chorreo de pintura sobre el lienzo, utilizando bien con un bote lleno de pintura y agujereado por los laterales y por el fondo, o arrojando la pintura sobre el lienzo con el pincel bien mojado.

§ Aumento de la escala de los lienzos, que obligan a la eliminación del caballete, situando el lienzo en el suelo y pintando pisando el lienzo, estando literalmente dentro de la pintura.

§ Nuevos tipos de pintura como el acrílico y el esmalte, mezclados en ocasiones con otros materiales como solución de aluminio, arena, trozos de vidrio…

El artista más representativo de la pintura gestual o de acción, fue Jackson Pollock (1912-1956)[6]

2. Pintura de campos de color.

La pintura de campos de color centra su interés en las diferentes posibilidades de ciertas yuxtaposiciones cromáticas y en la combinación de colores en superficies generalmente de grandes dimensiones. Se caracterizan por grandes superficies planas combinadas de color, exentas de elementos sígnicos o gestuales, con las que se crean atmósferas que transmiten una gran sensación de espacio.

La pintura de campos de color es la más abstracta de las tendencias del expresionismo abstracto. Uno de los artistas más sobresalientes de esta tendencia fue Mark Rothko (1903-1970)[7]

3. Pintura Sígnica

Se caracteriza por sus composiciones ejecutadas a base de grandes pinceladas o brochazos superpuestos monócromos sobre fondo blanco, que recuerdan caligrafías orientales.

La pintura sígnica no es pintura de acción sino de meditación, y se caracteriza por un acercamiento al arte oriental, especialmente a la caligrafía china. El artista más representativo de la pintura sígnica fue: Franz Kline (1910-1962)[8].

7) A partir de lo explicado, observa y menciona que obra pertenece a cada tendencia. Justifica tu elección.